Der Rote Punkt

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Dies ist ein Debütfilm, und das merkt man, im Guten wie im Schlechten. Regisseurin Marie Miyayama erzählt eine ganz kleine, alltägliche Geschichte in ambitionierten Bildern, von denen jedes deutlich ausdrückt, dass sich die Regisseurin viele Gedanken gemacht hat, wie was wirkungsvoll in Szene gesetzt wird. Die Landschaft des Ostallgäus und die Menschen darin sind perfekt eingefangen und aufeinander hin arrangiert; und die Geschichte geht subtil in tiefe psychologische Urgründe hinein.

Da ist Aki, die träumt, und sie ahnt, dass dieser Traum an ihrer Vergangenheit im Kleinkindalter rührt. Der Zuschauer spürt ihre Unruhe und bekommt allmählich mit, was passiert ist – der Film lässt ihn nie informationslos allein, überfüttert ihn aber auch nicht. Sondern er lässt ihn teilhaben, erst am äußeren Geschehen und darüber dann am Gefühlsleben der Figuren. Er erzählt langsam, über Gesten und Blicke und nicht direkt über das, was zwischen den Figuren besteht, sondern, was über sie und zwischen ihnen entsteht. Und um ihrem Film Gehalt zuzuführen, unterfüttert die Regisseurin ihn mit einer ausgeklügelten Symbolik.

Ein roter Lippenstift, eingemachte rote Pflaumen, ein roter Punkt auf der Landkarte; ein Kind auf einer Schaukel; Spiegelungen von Gesichtern in Fensterscheiben; geschnitzte Madonnen; das Zählen auf Japanisch: das sind sinnbildliche Leitmotive, die nicht eindeutig erklärt werden, deren metaphorische Bedeutsamkeit aber dennoch stets bewusst in den Film hineingetragen ist, die zu seiner Substanz beitragen.

Freilich liegt hier auch die Crux: so genau Miyayama und ihr Co-Autor Christoph Tomkewitsch den Film ausgetüftelt haben, so kalkuliert wirkt er auch. Seine Bilder sind allzu offensichtlich auf Perfektion getrimmt, in Komposition und Symbolik, so dass ihnen auch etwas Steriles, Lebloses anhaftet. Die Schauspieler agieren offenbar genauso, wie es Miyayama im Kopf hatte – aber eben nicht mehr, nicht aus sich heraus, ohne eigenen, neuen Input zum Film; man hätte auch ein Puppentheater nehmen können.

Es geht um kulturellen Austausch (hierin steckt sicherlich Autobiographisches der japanischstämmigen Regisseurin, die an der Münchner HFF studiert hat), um Unfähigkeiten der Kommunikation (nicht nur wegen Sprachschwierigkeiten, auch wegen emotionaler Hürden der Figuren), und es geht um das Vergangene, das verdrängt wird und wiederkehrt, mit dem man sich auseinandersetzen muss, weil es einen sonst einholt (hierin steckt vielleicht Miyayamas Interesse an der Psychologie C.G. Jungs). Das alles wird im Film Stück für Stück durchexerziert: der Vater, der einmal zu schnell gefahren ist und der nun daran emotional fast erstickt, der 18jährige Sohn, dessen Rebellion sich ausgerechnet im Rasen mit dem Motorrad ausdrückt, die Mutter, die hilf- und sprachlos daneben steht. Und Aki, die ihrem Traum auf die Spur kommen will, die von Japan ins Ostallgäu fährt, um auch zu den eigenen Wurzeln und zu sich selbst zu reisen; die sich gezielt der Vergangenheit stellt und dadurch reift. Doch irgendwie, gerade will alles so kalkuliert wirkt, springt kein Funke rüber.

„Ich habe einen Freund in Japan“, sagt Aki einmal, als sie schon Hals über Kopf im Allgäu angekommen ist, „aber ich bin mir nicht sicher. Er macht immer alles richtig.“ Und das kann man dem Film auch nachsagen: er will alles zu perfekt machen und lässt keinen Platz, um Leben eindringen zu lassen.

Fazit: Regiedebüt einer talentierten Regisseurin mit ambitionierten Bildern und ausgeklügelter Symbolik, das aber zu berechnet, zu steril wirkt.