Nashville, Tennessee. Auf den Straßen der Stadt bewegen sich mehrere alte, amerikanische Limousinen. Nach und nach kommen einige Szimmen zu Wort. Auf den Rücksitzbänken der Limousinen sitzen Young und einige seiner Musiker, die ihn über Jahrzehnte hinweg begleitet haben. Sie wirken melancholisch, Young steht eine Gehirnoperation bevor, und niemand kann sagen, ob diese Band nach dem folgenden Engagement jemals wieder zusammen spielen wird. Es ist ein musikalisches Testament, dass Jonathan Demmes Kameras und Mikrophone an diesem Abend aufnehmen, eine Revue seiner größten Erfolge und jener Lieder, die Neil Young am meisten bedeuten.
In den ersten Filmminuten fängt eine Kamera scheinbar zufällig eine Fotografie von Hank Williams ein, die an einer Häuserfassade angebracht ist. Williams, der als Musiker durch das Land zog, und erst kurz vor seinem Tod in den frühen 50er Jahren Anerkennung durch eine breitere Öffentlichkeit erfuhr, feierte den Höhepunkt seiner kurzen Karriere im Ryman Auditorium, jener Konzerthalle, die auch unter dem Namen The Grand Ole Oprey bekannt ist und die noch heute als Wallfahrtsort für Countryfans gilt. Das Gebäude aus der Zeit der Jahrhundertwende genießt Berühmtheit auch durch seine Akustik und seine besondere räumliche Nähe zwischen Musikern und Publikum. Viele in diesem Saal gemachte Aufnahmen gelten als bahnbrechend. Die Wahl des Ortes untermauert dezent, aber unmissverständlich und selbstbewusst die Stellung, die Neil Young in der amerikanischen Folk- und Countryszene beansprucht.
Diese Stellung ist so unangefochten, dass man sie nicht mit frenetisch klatschendem Fans untermauern muss. So verzichtet Jonathan Demme, mit Ausnahme einer sehr kurzen Sequenz, auf die bei Konzertfilmen sonst üblichen Aufnahmen des Publikums. Er verschreibt sich stattdessen ganz dem Zentrum des Interesses, Neil Young, den er von Kameras umkreisen lässt und aus verschiedensten Perspektiven beim singen, spielen und zuhören zeigt. Der Mann und seine Musik, darum geht es diesem Film. Auf den ersten Blick wirkt dies wie ein schlichtes Konzept. Doch es räumt den Menschen auf der Bühne größten Raum ein. Eine sensible Kameraführung und Schnittregie macht die Beziehungen der Musiker untereinander sichtbar. Hier unterstreicht der Film, was in der Realität stattfindet. Doch er fügt dem Geschehen noch eine eigene Ebene hinzu. Hinter der Bühne ist alles ständig in Bewegung, wechseln Bühnenbilder, Hintergründe und Lichtstimmungen. Diese vielschichtige Inszenierung stellt sich ganz in den Dienst der Musik, will Youngs unprätentiösem Werk nichts Aufbauschendes hinzufügen, nichts verkünsteln. Dennoch ist es vor Allem die hintergründige Farbdramaturgie, die aus dem Konzert ein filmisches Ereignis macht.
Weil Demme das Publikum im Ryman Auditorium ausblendet, entsteht eine direkte Beziehung zwischen den Musikern, ihrer Musik und dem Kinopublikum. Der Kinozuschauer wird zum Konzertbesucher. Im Vergleich zu konventionellen Konzertfilmen, die die Euphorie des Augenblicks durch ausladende Kamerafahrten und Bilder von bewegten Bühnenleuchten und begeisterten Zuschauern einzufangen versuchen, setzt Neil Young: Heart of Gold auf eine sachte Entfaltung der subtilen Wirkungen der Musik. Die Reaktion findet auf der Ebene zwischen Zuschauer und der Musik statt, die Inszenierung dient lediglich als Katalysator, der dieses Verhältnis am Leben erhält und beschleunigt.
Die Premiere des Films beim Sundance Filmfestival zeigte eine regelrechte Verschmelzung der filmischen Realität und der Wahrnehmung des Publikums. So war mitunter nicht auszumachen, ob gerade das Kinopublikum, das gefilmte Publikum im Ryman Auditorium, oder beide zwischen zwei Songs applaudierten.
Durch die Konzentrierung der Inszenierung auf den Mann und seine Musik gelingt hier scheinbar nebenbei ein intimes Portrait des Musikers Neil Young, indem die Inszenierung nicht von der menschlichen Dimension ihrer Hauptfigur ablenkt, sondern diese immer und immer wieder durch lange Naheinstellungen seines Gesichts unterstreicht. Man hat das Gefühl, dem Künstler nahe zu kommen, ohne von einem Star überschattet zu werden. Denn Young ist in diesem Film nicht larger than life, wird nicht in Manier des Rock n Roll zum Übermenschen stilisiert. Stattdessen gibt Demme einem vom Leben gezeichneten Gesicht Raum, schenkt feinen Zwischentönen Beachtung und erlöst so den Rock Star für einen Moment von seinem Schicksal, eine Ikone sein zu müssen.
Keine Frage, kein Kommentar, keine Einblendung trübt dieses Portrait. Jonathan Demme lässt Neil Young alles in seinen eigen Worten und Liedern sagen, will nichts enthüllen oder besonders hervorheben und Young ist weise genug, den ihm gewährten Raum mit nichts als seiner schlichten Präsenz zu füllen. Angesichts einer derart zurückhaltenden Inszenierung möchte man diesen Film mitunter als distanziert bezeichnen, wäre da nicht diese spezielle Nähe, die sich aufbaut, wenn man im Kinosessel allmählich von dem Gefühl ergriffen wird, diesen Mann, Neil Young, schon eine Ewigkeit zu kennen.
Fazit: Konzertfilm, dessen künstlerische Tiefe sich erst auf den zweiten Blick erschließt. Jonathan Demmes Inszenierung stellt sich uneitel in den Dienst des Musikers und seines Werks und erzeugt ein Portrait von ungeahnter Tiefe und Intimität.
